Biografía de Pedro Pablo Rubens resumen

Hacia el llamado del arte

Pedro Pablo Rubens nació en la hermosa ciudad de Siegen, Alemania, el 28 de junio de 1577. Si bien se cree que el pintor era oriundo de la ciudad de Amberes —ubicada en Bélgica—, en realidad nació en suelo alemán. Sin embargo, lo que sí es cierto es que, debido al trabajo de su padre, se mudó desde muy pequeño a la localidad belga, la cual formaba parte de las provincias flamencas del denominado Estado borgoñón en Europa.

Después de la muerte de su padre, la situación económica de la familia Rubens decayó notablemente. Debido a esto el flamenco tuvo que dejar sus estudios y concentrarse en conseguir un trabajo que ayudara con los gastos de su casa. Gracias a la oportunidad que le brindó la condesa belga Margaretha de Ligne-Arenberg, Rubens empezó a trabajar para ella como parte de su servicio.

Sin embargo, este trabajo no era lo que Rubens anhelaba para su vida. Esto se debía a que desde muy joven el artista presentó un innegable perfil intelectual. Para su adolescencia ya hablaba varios idiomas, como el francés, portugués e italiano. Asimismo, poseía conocimientos culturales enormes. Por ello, Pedro Pablo Rubens decidió dejar su trabajo como asistente para así empezar, hacia 1592, su espléndido camino en la pintura.

Italia, donde todo comenzó

Uno de los profesores de pintura de Rubens, Otto Vaenius, le propuso a éste que para crecer certeramente como artista debía viajar a Italia. De este modo, Pedro Pablo Rubens zarpó a suelo italiano y estando allá su cuerpo se estremeció con toda la belleza escultural y pictórica que residía en ciudades como Roma y Viena.

A pesar de tratarse, para aquel entonces, de un artista en proceso de aprendizaje, las oportunidades laborales llegaron a manos de Rubens como una brisa de verano. Uno de sus primeros pedidos vino de parte del archiduque Alberto de Austria, quien le solicitó la creación de algunos cuadros, como el Santa Elena con la Vera Cruz y La Elevación de la Cruz. Con estas obras, Pedro Pablo Rubens dejó muy clara sus influencias barrocas, renacentistas y flamencas.

Pedro Pablo Rubens, el gran discípulo barroco

El paso de Rubens por Italia fue, tal cual lo había augurado su profesor de pintura, esclarecedor para la carrera del artista. Tras pasar un tiempo prudente en territorio italiano, Pedro Pablo Rubens se trasladó a España en el año 1603. En dicho país le esperaba un enorme pedido de pinturas de orden aristocrático. En este periodo el artista produjo obras como La adoración de los reyes magos y Retrato ecuestre del duque de Lerma.

Ya para principios del siglo XVII Rubens se consagraba como uno de los artistas más emblemáticos de Europa. Sus obras poseían tres detalles clave: dramatismo, saturación de colores y mucho contexto histórico. El artista poseía un gran interés en los temas religiosos y mitológicos, los cuales se pueden observar en cuadros como El rapto de las hijas de Leucipo, Las tres Gracias y Saturno.

La magnificencia de su obra

Poner en palabras la exuberancia de la obra pictórica de Pedro Pablo Rubens, fallecido el 30 de mayo de 1640, es, en ocasiones, tarea difícil. Esto se debe a que el artista poseía un pincel incansable y enérgico. Sus obras, que yacen en los principales museos del mundo, lograron representar maravillosamente todo el esplendor barroco, la delicadeza renacentista y el poder histórico flamenco. 

De la misma manera, Rubens fue un artista de consagrado alcance aristocrático. Uno de sus trabajos más reconocidos en esta área fue cuando tuvo la enorme oportunidad de pintar para la dinastía Médici en Italia, creando para ellos majestuosas pinturas como El desembarco de María de Médicis en el puerto de Marsella, el cual se expone de manera permanente en el Museo del Louvre de París.

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Biografía de Pierre Auguste Renoir resumen

De hogar humilde

Pierre Auguste Renoir nació el 25 de febrero de 1841 en la ciudad de Limoges, Francia. De familia humilde, Renoir se crió en un contexto tradicionalmente cristiano. De acuerdo con ciertos historiadores, la situación económica de la familia Renoir nunca fue favorable, sobre todo considerando que Léonard Renoir y Marguerite Merlet eran padres de seis hijos. Sin embargo, éstos siempre buscaron la manera de brindarles a cada uno la mejor educación posible.

En el caso concreto de Pierre Auguste Renoir, si bien era un excelentísimo estudiante, éste decidió dejar sus estudios al llegar a su adolescencia para dedicarse de lleno a la pintura. Su hermano menor, Edmond, contaba que la pasión artística de Renoir empezó desde muy pequeño, cuando pintaba las paredes de su casa con trozos de carbón. De este modo, no fue nada extraña su decisión de sumergirse en el mundo de la pintura.

Como aprendiz, y antes de dedicarse a la pintura sobre óleo, Pierre Auguste Renoir pintó sobre porcelana y abanicos. Parecerá algo insignificante, pero el trabajar sobre estas delicadas y perniciosas superficies le permitió a Renoir una habilidad inaudita por los detalles; su pincel se concentraba en las más sublimes líneas y el uso magnífico de los colores pasteles.

Un pintor autodidacta

Durante su adolescencia, Renoir continuó experimentando con distintos materiales y técnicas de pintura. Estando en París pintó para varias familias adineradas cortinas y vitrales. Esto le permitió reunir suficiente dinero como para comprar materiales de uso propio, los cuales utilizaba para copiar cuadros que se encontraban en las salas del Palacio del Louvre, sitio que Pierre Auguste Renoir visitaba al menos una vez al día.

Para el año 1862 Pierre Auguste Renoir logró ingresar a la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París. Frente a esta enorme oportunidad, que sin duda haría brillar su carrera artística, Renoir empezó a relacionarse con otros artistas jóvenes de la época, como Claude Monet y Frédéric Bazille. Con ellos iniciaría una brillante amistad, que tendría como resultado la creación del movimiento impresionista en Europa.

El sublime impresionismo de Pierre Auguste Renoir

A la par de lidiar con una difícil situación económica, Renoir se inició con fervor en las líneas del impresionismo. Algunos de sus cuadros, como la Odalisca, El cabaret de la mère Anthony y Paseo a caballo en el bosque de Boulogne —terminado en 1873—, muestran la primera etapa impresionista del artista. En estos cuadros se aprecia su gusto por la pintura al aire libre. Asimismo, demostró su encanto por el romanticismo; el rococó y el arte barroco fueron grandes inspiraciones durante esta etapa.

En estas primeras obras, Renoir, asimismo, dejó entrever su adoración por la silueta femenina. Para el artista la belleza de la mujer era una inspiración constante. De este modo, se puede observar su deleite por los rasgos femeninos en cuadros como Bañista sentada secándose la pierna y Almuerzo de remeros. En este último se aprecia la presencia de Aline Charigot, una joven parisina que se convertiría, unos años más tarde, en la primera y única esposa del artista.

La belleza detrás de sus cuadros

Quizás la palabra que mejor describe a la obra de Pierre Auguste Renoir es sublime. Los cuadros de este francés, que aún se mantienen intactos en museos y galerías de arte del mundo, poseen un ritmo suave, casi imperceptible, que emana cierta frescura y calma. Renoir era capaz de teletransportar a cualquier persona a sus escenarios pictóricos, repletos de detalles propios de la naturaleza o los espacios hogareños.

Si bien hacia los últimos años de su carrera artística Renoir se separó un poco de las líneas tradicionales del impresionismo, a éste se le considera como uno de los máximos representantes de dicho movimiento artístico. Pierre Auguste Renoir falleció el 3 de diciembre de 1919, dejando atrás una colección de cuadros que se exponen en varios museos del mundo, como el Museo de Orsay de París, donde se expone permanentemente el cuadro Baile en el Moulin de la Galette.

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Biografía de Edvard Munch resumen

Del dolor a la pintura

Hijo de Christian Munch y Laura Cathrine, Edvard Munch nació el 12 de diciembre de 1863 en la ciudad de Løten, Noruega. Munch se enfrentó a las tragedias de la vida desde muy joven. Antes de llegar a la adolescencia, su madre murió por causa de una mortal tuberculosis, y, un par de años después, su hermana menor, Johanne Sophie, falleció por la misma enfermedad. Estas vivencias marcaron profundamente el carácter y la forma de ver la vida del noruego.

Al morir su madre, Edvard Munch quedó al cuidado de su padre, con quien llevaba una relación un tanto ambivalente. Si bien compartían gustos, como la lectura de autores de la talla de Edgar Allan Poe, el padre de Munch nunca entendió del todo las manías y exaltaciones emocionales del pintor, las cuales se reflejaron en éste desde muy joven. Asimismo, entre ambos hubo cierta fricción cuando Munch le anunció sus deseos de dedicarse al mundo del arte.

A pesar de ciertas vicisitudes, Edvard Munch se mantuvo firme a sus deseos y en 1880 se inscribió en la Academia Nacional de Artesanía e Industria del Arte de Noruega. Con apenas un año como estudiante, Munch logró —hacia 1881— vender dos de sus primeros cuadros, lo que le permitió participar en varias exposiciones de arte en la ciudad de Oslo. A través de esto, el artista empezó a ser reconocido por sus particulares cuadros, donde abundaba la figura y la expresión humana.

Una breve visita a París

Con el pasar de los meses, Edvard Munch se consolidaba en el terreno artístico noruego. Sin embargo, éste deseaba experimentar aún más con sus pinturas. De esta manera, Munch decidió residir por un tiempo en París. Para aquel entonces, hacia 1885, París era el centro artístico de Europa. El movimiento impresionista brillaba como nunca con artistas como Pierre-Auguste Renoir. Como resultado, Munch, joven y dispuesto al éxito, presentó cuadros como Al día siguiente y La niña enferma.

Con esta serie de pinturas, que más que impresionistas cumplían un carácter meramente simbólico, Edvard Munch comenzó a hacerse de cierto reconocimiento entre las esferas artísticas parisinas. Asimismo, para esta época, Munch emprendió una serie de viajes por Europa, hasta asentarse definitivamente en Alemania, hacia 1890. Ese mismo año el noruego inició Friso de la vida, una serie de pinturas que cambiarían su carrera artística.

Edvard Munch y la expresión del sufrimiento

Si bien la mayoría de sus conceptos artísticos nunca fueron del todo compartidos, Edvard Munch demostró una habilidad insólita para el expresionismo, la cual quedó reflejada en su mítico cuadro El grito. En esta obra, que cuelga en las paredes de la Galería Nacional de Noruega, se aprecia la figura de un hombre con una expresión facial casi asfixiante, la cual es  acompañada por líneas que exageran aún más la angustia de quien se cree es el mismo Munch.

Fue a través de pinturas como El grito y Ansiedad que Edvard Munch se catapultó como el padre del expresionismo del siglo XX. Tras haber realizado una serie de importantes exposiciones en ciudades como Berlín, Oslo y Estocolmo, las pinturas de Munch empezaron a comercializarse por Europa; el gremio artístico anhelaba las obras del noruego, aquellas cargadas de tanta historia y dolor.

Al borde de sí mismo

Para el año 1908, a pesar de contar con un exaltado reconocimiento a nivel mundial, Edvard Munch se encontraba luchando consigo mismo y sus terribles crisis psicóticas. Como resultado, tuvo que internarse en una clínica psiquiátrica donde, a la par de ser tratado por alcoholismo, éste fue diagnosticado con un severo trastorno de bipolaridad. Después de ocho meses internado, Munch se reintegró a sus labores artísticos repuesto, aunque algo alejado de su habitual ímpetu artístico.

Posterior a este quebranto, Edvard Munch se dedicó a una pintura un poco más colorida y «alegre», presentando obras como El sol y Caballo al galope. Sus cuadros anteriores, y los que definieron en sí su estilo como pintor, estaban repletos de matices oscuros, casi tétricos, que dejaban al descubierto sus miedos y las tragedias que tuvo que enfrentar desde muy joven. Aunque nunca volvió a ser el mismo, Edvard Munch persistió como pintor hasta su fallecimiento el 23 de enero de 1944.

Las obras de Munch se mantienen invaluables dentro del movimiento expresionista del siglo XX. Algunas de sus pinturas más famosas, como El beso, Celos o Pubertad, son consideradas joyas icónicas dentro de su amplio repertorio artístico. Asimismo, El grito es uno de los cuadros más codiciados dentro del mundo del arte, seguido de La Gioconda de Leonardo Da Vinci.

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Biografía de Leonardo da Vinci resumen

Hijo bastardo

El 15 de abril de 1452, Leonardo di ser Piero da Vinci nació en la Toscana, Italia. El pequeño fue el producto de un encuentro sexual fuera del matrimonio entre Ser Piero Fruosino di Antonio da Vinci y una campesina de nombre Caterina. Su padre, un notario legal que contaba con un excelente estatus económico, decidió criar a su hijo junto con su esposa legítima. Se cree que la madre de Da Vinci accedió a separarse de él porque no disponía los recursos para criarlo.

Con apenas 5 años, Leonardo fue enviado al pueblo de Vinci, en donde vivió con su tío y sus abuelos. Su padre financió su educación básica desde la distancia y se aseguró de que el niño aprendiera a leer y escribir. Sin embargo, Da Vinci destacaba desde joven por sus dotes artísticas. Ser Piero siguió la recomendación de su hermano —quien había observado las capacidades de su sobrino— y envió a su hijo a estudiar con el reconocido artista Andrea del Verrocchio en Florencia.

Las primeras obras de Leonardo da Vinci

De la mano de Verrocchio, Leonardo da Vinci desarrolló sus habilidades técnicas en ramas como el dibujo, la pintura, la escultura y hasta la carpintería. Al cumplir 20 años, obtuvo un financiamiento para crear su propio taller por parte de la Guilda de San Lucas, un gremio de artistas que contaba con una sede en Florencia. Aunque aún no era un artista reconocido, Da Vinci no desesperó y continuó desarrollando su estilo.

Una vez todo su entrenamiento rindió frutos, Leonardo da Vinci decidió abandonar el taller de Andrea del Verrocchio en 1478. Ese mismo año recibió su primera comisión como artista independiente, la cual representaría la primera de una larga lista de encargos. Sin embargo, fue durante esta época que Da Vinci empezó a abordar sus intereses respecto a una enorme cantidad de ramas del saber. Debido a estas distracciones, completó menos de 20 pinturas en su vida.

Científico excepcional

En lugar de evadir su insaciable curiosidad, Leonardo da Vinci se dedicó a recoger información sobre una gran variedad de temas durante la década de 1480. Estudió botánica, zoología, geología, hidráulica, física y aeronáutica. Asimismo, realizó estudios exhaustivos sobre anatomía, los cuales le ayudarían a mejorar aún más sus habilidades en la pintura y escultura. Pondría algunos de los conocimientos adquiridos en práctica en 1482 cuando Lorenzo de Médici le encargó diseñar una lira de plata que entregaría como ofrenda de paz a Ludovico Sforza.

Al enterarse de que Ludovico Sforza había quedado encantado con la lira, Leonardo da Vinci decidió ponerse en contacto nuevamente con quien más tarde sería duque de Milán. A través de una carta que dejaba ver sus impresionantes habilidades como ingeniero más que como artista, le solicitó trabajo a Sforza. La correspondencia anexaba algunos planos de proyectos que Da Vinci tenía pensado desarrollar si contaba con el apoyo económico necesario. Su plan funcionó y Ludovico le pidió viajar hasta Milán para encontrarse en persona.

Leonardo da Vinci en Milán

De manera astuta, Leonardo da Vinci hizo especial énfasis en las máquinas de guerra que le gustaría desarrollar durante la reunión con Ludovico Sforza. El toscano estaba al tanto de que su cliente era fanático del armamento bélico y que había estado en busca de un ingeniero que desarrollara maquinaria poderosa para sus hombres. Sin pensarlo, Sforza aceptó financiar algunos de estos proyectos a modo de prueba, y pagarle por el resultado final.

Los encargos realizados por Ludovico Sforza tras la reunión serían apenas los primeros de una sociedad que mantendría a Leonardo da Vinci en Milán por los próximos 17 años. Durante este tiempo, recibió nuevas comisiones por parte de figuras influyentes en el país y desarrolló algunas de sus obras más aclamadas. Una de las primeras fue La última cena, un cuadro que le tomó tres años pintar y en el que se refleja el drama de la reunión final entre Jesús y sus doce apóstoles.

De vuelta a casa

En 1499, poco después de completar La última cena, Leonardo da Vinci se enteró de que Ludovico Sforza había sido derrocado. Para evitar ser perseguido por haber mantenido negocios con Sforza, Da Vinci escapó a Venecia junto con Salai, un joven que había acogido como aprendiz. Más tarde, cuando regresó a Florencia, quedó sorprendido con el nivel de popularidad que había acumulado como artista. El Cartón de Burlington House, un boceto sobre la infancia de Jesucristo, generó una fila de espectadores ávidos de verlo.

Leonardo da Vinci no tardó en dar muestras de su inigualable talento como inventor en Florencia. En 1502, Cesare Borgia lo contrató como ingeniero militar, trabajo que mantendría por los próximos dos años. Entre sus invenciones de esta época destaca una máquina para volar parcialmente basada en la fisionomía de un murciélago. Un manuscrito titulado Códice de vuelo de los pájaros escrito en 1505 demuestra que Da Vinci estaba sumamente interesado en la aeronáutica.

La Mona Lisa de Leonardo da Vinci

En 1503, Leonardo da Vinci empezó a trabajar en la Mona Lisa, un cuadro que mostraba la enigmática sonrisa de una joven. La pintura se transformó en la obra más aclamada del artista y, probablemente, en el cuadro más popular de la historia. Da Vinci continuaría perfeccionando el retrato por el resto de su vida en busca de la perfección absoluta. Llevó la obra consigo hasta Milán en 1506, cuando fue convocado por el gobernador francés que regía en aquella ciudad.

De vuelta en Milán, Leonardo da Vinci empezó a trabajar para los líderes franceses que habían tomado control de la ciudad años atrás. Recibió comisiones por parte del rey Luis XII y el mariscal Carlos II de Amboise de Chaumont, quienes le encargaron trabajar en retratos y estatuas conmemorativas. Aunque la tensa situación a nivel político que experimentaba Italia durante aquellos años le dificultó a Da Vinci culminar estos proyectos, tuvo libertad para seguir desarrollando investigaciones en áreas como la anatomía y la hidráulica.

Artista reconocido

A partir de 1508, Leonardo da Vinci empezó a acoger a nuevos pupilos, quienes pasaban la mayor parte del tiempo en la casa de su maestro. Da Vinci, quien no marcaba diferencias entre el arte o la ciencia, disminuyó notablemente su producción en cuadros debido a las dificultades para conseguir implementos. En su lugar, continuó llenando sus cuadernos con nuevas ideas y transmitiéndole sus conocimientos a sus alumnos. Sin embargo, la inestabilidad política en Milán se había tornado insostenible.

Cuando Leonardo da Vinci escogió mudarse a Roma en 1513, sus pupilos decidieron seguirlo. El maestro viajó a la capital junto con Salai y tres aprendices. Al llegar contaron con un gran recibimiento por parte de Juliano de Medici, hermano del papa León X.  Juliano le ofreció al artista y a sus estudiantes una residencia dentro del Vaticano con la condición de que examinara planos y aprobara futuros proyectos de la Iglesia. Progresivamente, Da Vinci se fue ganando un lugar entre figuras sumamente influyentes.

Muerte en Francia

Para 1515, Leonardo da Vinci se había convertido en uno de los artistas favoritos de la familia Medici. Durante una reunión con el rey Francisco I de Francia, el papa León decidió permitirle ir a trabajar para el monarca temporalmente. Francisco había visto algunas de las obras del artista y Da Vinci estaba emocionado por recoger inspiración de nuevos destinos. Ese mismo año, se mudó al castillo de Clos-Lucé, una edificación ubicada muy cerca del palacio real en Indre y Loira, Francia.

Durante sus años en Francia, Leonardo da Vinci era frecuentemente visitado por el rey Francisco, quien le encargó diseñar los planos de un pueblo que se ubicaría alrededor de su palacio. Sin embargo, la salud de Da Vinci empezó a deteriorarse después de sufrir varios infartos y su mano derecha quedó paralizada. Murió el 2 de mayo de 1519 a los 67 años de edad y fue enterrado en el castillo de Amboise.

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Biografía de Goya resumen

Un zaragozano orgulloso

Francisco José de Goya y Lucientes nació en el pequeño pueblo de Fuendetodos, Zaragoza, el 30 de marzo de 1746. No existen muchos detalles acerca de la niñez de Goya. Sin embargo, se sabe que su experticia con la pintura se la debe en gran medida a su padre quien fue un artesano reconocido en Fuendetodos, el cual mantuvo a su hijo cercano a sus labores diarias.

La vida de Goya se desenvolvió en un hogar con dificultades económicas. Por ello, el joven zaragozano tuvo que buscar oficio desde muy joven. Ya que Goya admiraba el trabajo de su padre, ingresó al taller de pintura de José Luzán, un modesto pintor de la localidad de Aragón. Aunque, para este entonces, las habilidades del pintor aún eran escasas; pocos creían que Goya se convertiría en todo un fenómeno de la pintura.

Tras permanecer poco más de cuatro años con Luzán, Goya deseaba crecer aún más como pintor. Como resultado, decidió mudarse a la ciudad de Madrid. Su plan en la capital era conseguir una beca en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, la cual, lamentablemente, no obtuvo. En este tiempo se dedicó a trabajar para Francisco Bayeu, hombre que lo ayudaría a formarse artísticamente.

De paso por Italia

Si bien su estadía en Madrid dio sus frutos, ya que pudo colaborar en la decoración del Palacio Real de Madrid —gracias a su amistad con Bayeu—, Francisco de Goya necesitaba más. De este modo, el pintor emprendió un largo viaje por varias ciudades de Italia, como Roma, Turín y Milán. En el ambiente artístico italiano, Goya se interesó por el clasicismo y presentó el cuadro Aníbal vencedor contempla por primera vez Italia desde los Alpes.

De vuelta a España, hacia 1771, Francisco de Goya se asentó de nuevo en Zaragoza. En su ciudad natal, Goya se dedicó a la pintura religiosa. Casi todas las iglesias de la zona lucían murales pintados por el zaragozano, los cuales, con el tiempo, se convirtieron en lienzos como El entierro de Cristo y La adoración del nombre de Dios. Para esta época el español ya era reconocido por su fino pincel y por su distintiva habilidad para las siluetas.

Goya: a la vanguardia de la pintura

De nuevo en Madrid, Goya ya era toda una celebridad de la pintura. Para el año 1789 Francisco de Goya ya contaba con el privilegio de ser el pintor oficial de la corte del rey Carlos IV, un trabajo que le permitió codearse con lo más fino de la realeza. En este medio, el español se desempeñó como retratista, presentando cuadros como La familia del infante don Luis de Borbón o los retratos que le realizó a la XIII duquesa de Alba de Tormes, Cayetana.

Sin embargo, este tipo de pintura, si bien mantenía sus finanzas, no era del todo lo que Goya buscaba con su arte. Por ello, para finales del siglo XVIII, Goya presentó una serie de cuadros que jugaban con temas de brujería, misterio y algo de misticismo, conceptos arduamente criticados en la pintura clásica. Así fue como nacieron las obras El aquelarre y Vuelo de brujas, donde se aprecia una técnica exquisita en el uso de sombras sobre lienzo.

Hacia el quiebre del tradicionalismo artístico

Si bien Francisco de Goya había desatado un poco de polémica con el uso de temáticas oscuras en sus pinturas, no fue sino hasta la llegada de La maja desnuda que el español atisbó una popularidad indefinible en España y el resto de Europa. Este cuadro se cree que fue inspirado por el esbelto cuerpo de la duquesa de Alba, a quien Goya había retratado en ocasiones anteriores.

Con el inicio de la guerra en España, hacia 1808, el artista sufrió un notable declive en su pintura. Para aquel entonces, el país estaba sumido en un terrorífico escenario tras la llegada de las tropas napoleónicas al país. Debido a esto, Francisco de Goya tuvo que dedicarse a la pintura patriótica y retratar por encargos. Aturdido de tanta desdicha, el español se enfermó gravemente y quedó sordo, situación que marcó notablemente su permanencia artística.

El legado artístico de Goya

Posterior a su sordera, Goya volvió a generar un interés en lo oscuro y lo moral. Este interesante estilo, que mezclaba a la perfección el expresionismo y el surrealismo, se perpetuó con la llegada de la serie Pinturas negras, una serie obras murales que escenificaban distintas situaciones macabras de manera gloriosa; grises y negros formaban una especie de sinfonía que enfatizaba en las penurias y oscuridades del hombre.

Con cuadros como Saturno devorando a su hijo y La romería de San Isidro, Francisco de Goya catapultó su estadía en el mundo del arte para siempre. Desde su muerte, el 16 de abril de 1828, las obras de Goya se mantienen regadas por entre los museos más importantes del mundo, como el Museo del Louvre, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y el Museo Nacional del Prado.

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Biografía de Miguel Ángel resumen

Encuentro con la escultura

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni nació el 6 de marzo de 1475 en la región de Toscana, Italia. Fue el segundo de los cinco hijos que tuvieron Leonardo di Buonarroti Simoni y Francesca di Neri, una pareja de italianos oriundos de Florencia. Al momento de su nacimiento, la familia se encontraba en el pueblo de Caprese, en donde su padre trabajaba como magistrado. Sin embargo, apenas unos meses después, Leonardo y Francesca decidieron regresar a su ciudad natal.

Después de regresar a Florencia, la madre de Miguel Ángel cayó enferma. Debido a que su padre se encontraba viajando constantemente por razones de trabajo, el pequeño fue puesto bajo los cuidados de una pareja de canteros amigos de Leonardo. Mientras crecía, el joven empezó a desarrollar un gusto por la escultura, una admiración por la labor que realizaban los artesanos. Esta sería la primera fase de un profundo amor al arte que lo hizo perder rápidamente el interés por la escuela.

Artista excepcional

Mediante la escuela a la que asistía —una de las más prestigiosas de Italia—, Miguel Ángel tuvo la oportunidad de conocer a Domenico Ghirlandaio, quien lo aceptó en su taller como aprendiz. Ghirlandaio también recomendó al joven para asistir a clases de escultura clásica, las cuales eran impartidas en los jardines del palacio de la familia Médici, una de las más influyentes del país. Durante los próximos años, Miguel Ángel se incorporó a la alta sociedad y desarrolló sus capacidades artísticas.

Para 1491 Miguel Ángel ya hacía gala de un estilo increíblemente detallado que combinaba excelsa precisión en las articulaciones y músculos con una belleza majestuosa. El talento del joven se vio reflejado en La batalla de los centauros y en Virgen de la escalera, dos esculturas que llamaron la atención de los críticos de la época. Tres años más tarde, cuando la familia Médici fue expulsada de Florencia, Miguel Ángel decidió huir del tenso ambiente que invadía a la ciudad.

Los enemigos de Miguel Ángel

Tras partir de Florencia, Miguel Ángel vivió en Venecia, Bolonia y Roma durante los próximos años. Trabajó en diversas comisiones para figuras importantes de la época y continuó mejorando como artista. Regresó a casa en 1499 y recibió la tarea de terminar una estatua que había comenzado a ser esculpida años atrás por Agostino di Duccio. El resultado fue David, una escultura que lo consagró como un artista del más alto nivel y que es considerada una de sus mejores obras.

Miguel Ángel fue invitado a Roma en 1505 por el papa Julio II, quien le encargó diseñar su tumba. La comisión despertó los celos de Donato Bramante, uno de los más grandes artistas de la ciudad. Bramante le aconsejó al papa encargarle a Miguel Ángel una pintura, con la esperanza de que el artista joven fallara estrepitosamente por tratarse de una disciplina con la que no estaba familiarizado. Julio II siguió el consejo y le encargó al joven pintar el techo de la Capilla Sixtina.

Para sorpresa de sus detractores, la pintura en el techo de la Capilla Sixtina resultó ser una de las obras más impresionantes realizadas hasta la fecha. Durante la elaboración, Miguel Ángel despidió a todos sus asistentes por considerarlos inútiles y trabajó en solitario por más de cuatro años. Tras culminar el proyecto en 1512, recibió un encargo que consistía en diseñar la fachada de la basílica de San Lorenzo, la cual nunca culminó a causa de limitaciones económicas.

Brillante arquitecto

Miguel Ángel recibió una nueva comisión por parte de los Medici en 1520. Tras una breve negociación, fue puesto a cargo del diseño de una capilla dedicada a la familia. La construcción lo mantendría ocupado durante gran parte de la década y se vería interrumpida por diferencias políticas en 1527. El artista retomó sus labores en 1534 y, poco después, empezó una nueva pintura en la pared del altar de la Capilla Sixtina en Roma.

En 1541, Miguel Ángel presentó al papa Pablo III El Juicio Final, una representación de la segunda venida de Cristo. Entre otros elementos, la pintura deja ver a muertos saliendo de las tumbas y a una nueva imagen de Jesús. Aunque la desnudez de algunas figuras causó polémica, el fresco fue inmediatamente reconocido como una obra de arte del más alto nivel. Un poco más tarde, en 1546, Miguel Ángel fue designado como el arquitecto encargado de la construcción de la basílica de San Pedro.

Debido a su avanzada edad, Miguel Ángel abandonó la pintura y pasó el resto de su vida diseñando y supervisando la construcción de la basílica de San Pedro. Al tratarse de un proyecto arquitectónico sumamente complejo, el artista se aseguró de que la estructura pudiera ser completada incluso después de su muerte. Tras una breve enfermedad, murió el 18 de febrero de 1564. Su cuerpo fue trasladado hasta Florencia y enterrado en la basílica de la Santa Cruz, tal como había solicitado en vida.

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El hermano mayor

Vincent Willem van Gogh nació el 30 de marzo de 1853 en Zundert, un pequeño pueblo ubicado al sur de Holanda. Vino al mundo como el primero de los seis hijos que tuvieron Theodorus van Gogh y Anna Cornelia Carbentus, una apasionada artista amateur. Fue criado en su pueblo natal junto a sus hermanos, con quienes mantenía una cercana relación. Van Gogh tuvo que abandonar el colegio a los 15 años para empezar a trabajar, debido a que su familia enfrentaba dificultades económicas.

El tío de Vincent van Gogh mantenía una posición ejecutiva en una reconocida empresa de venta y reproducción de arte. Ante la solicitud de Theodorus, el empresario aceptó al joven como empleado. La oficina principal de la compañía estaba ubicada en La Haya, por lo que Van Gogh tuvo que trasladarse hasta aquella ciudad, en donde vivió con su tía. Sus años en esta empresa le permitieron perfeccionar idiomas como el francés, el alemán y el inglés a través de la interacción con compradores.

En 1873, poco después de cumplir los 20 años de edad, Vincent van Gogh fue enviado por su tío a Londres. La idea era que el joven tomara las riendas de una nueva sucursal del estudio artístico que dirigía el hermano de su padre. Tras llegar, Van Gogh se enamoró de la cultura londinense y de Eugenie Loyer, una joven local cuyo rechazo fue sumamente doloroso para él. Tras esta primera desventura amorosa, decidió dedicar su vida a convertirse en sacerdote.

Decisión tomada

Después de pasar años estudiando para entrar a una escuela de teología en Ámsterdam, Vincent van Gogh optó por viajar hasta Bélgica en 1878. En lugar de continuar sus estudios en territorio belga, decidió mudarse a una mina de carbón al sur del país, en donde se dedicó a divulgar la palabra entre los trabajadores pobres y a ayudarlos dentro de sus posibilidades. Cuando surgieron diferencias con otros sacerdotes de la zona, Van Gogh se mudó a Bruselas en busca de una nueva profesión.

Durante el frío otoño de 1880, mientras vivía en un módico apartamento de Bruselas, Vincent van Gogh se decidió a ser pintor. Recibió el apoyo económico de Theo, su hermano menor y gran amigo. Debido a que Theo había sido marchante por años, sus consejos fueron de enorme importancia para el desarrollo artístico de Van Gogh. Por su cuenta, el antiguo sacerdote empezó a estudiar arte a través de distintos libros y a practicar todos los días.

El arte contra la depresión

Su carrera artística ayudó a Vincent van Gogh, un hombre melancólico y depresivo desde muy joven, a mantenerse emocionalmente balanceado durante los próximos años. Fue a mediados de la década de 1880 que sus cuadros empezaron a mostrar el estilo y excelso nivel de detalle que lo caracterizaría por el resto de su vida. Una de las primeras obras que hacía gala de su increíble habilidad técnica fue Los comedores de patatas, pintada en abril de 1885.

Vincent van Gogh se mudó a París junto a su hermano Theo en 1886. En aquel momento, la capital de Francia se encontraba inundada a nivel artístico por el fenómeno del impresionismo. Fascinado por este estilo, Van Gogh continuó perfeccionando su arte y se relacionó con otros pintores de la ciudad. En total, completó más de 200 pinturas durante sus dos años en París, hasta que decidió explorar nuevos destinos y se mudó a Arlés en 1888.

Durante toda su carrera como artista, Vincent van Gogh se caracterizó por gastar el poco dinero que tenía en instrumentos para pintar. Su vida en Arlés no fue diferente y, sin los cuidados de Theo, empezó a perder peso aceleradamente y a enfermarse con frecuencia. Consiguió una habitación a las afueras del pueblo, la cual convirtió en su estudio. Pintó distintos cuadros para decorar este nuevo refugio, entre los que destacan El dormitorio en Arlés, El café de noche y La noche estrellada.

La oreja de Vincent van Gogh

En 1888, Vincent van Gogh recibió la visita de Paul Gauguin, un pintor francés que había conocido en París. Van Gogh estaba emocionado con la idea de colaborar artísticamente con Gauguin y juntos trabajaron en distintas obras inspiradas en el pueblo de Arlés. Sin embargo, la relación comenzó a deteriorarse y, eventualmente, el pintor holandés confrontó a Gauguin con una navaja. Después del altercado, Van Gogh se cortó la oreja izquierda, probablemente durante una alucinación.

Después de que la policía lo encontrase inconsciente, Vincent van Gogh pasó varios días en el hospital. Fue dado de alta en enero de 1889, pero sus vecinos argumentaron que su progresiva demencia lo hacía peligroso, por lo que el pintor se vio obligado a mudarse a un asilo. Más tarde, su depresión empeoró a causa de sus problemas económicos, consecuencia de la baja popularidad de sus pinturas. Finalmente, murió el 29 de julio de 1890 tras dispararse en el pecho con una pistola.

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Biografía de Pablo Picasso resumen

Educación artística

Pablo Ruiz Picasso nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España. Su padre, José Ruiz y Blasco, era un pintor que había dado clases en distintas academias de arte a lo largo de España y que vendía sus obras para subsistir. Desde muy joven, Pablo recibió clases de dibujo y pintura por parte de Ruiz y Blasco, quien no tardó en descubrir que su hijo tenía innegables dotes artísticos.

Cuando Pablo Picasso cumplió 13 años, su padre lo inscribió en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. José Ruiz y Blasco, quien también era profesor de la institución, no tardó en recibir excelentes comentarios respecto al desempeño de su hijo por parte de sus colegas. Sin dudarlo, envió al joven a Madrid a continuar sus estudios en cuanto cumplió los 16 años. La capital era en donde se reunían los mejores artistas del país y representaba una prueba de fuego para el pintor.

El periodo azul de Pablo Picasso

Contra todo pronóstico, Pablo Picasso no encontró inspiración artística en la Real Academia de Bellas Artes de Madrid. Su paso por la institución fue breve y el joven perdió interés rápidamente por las enseñanzas allí impartidas. En lugar de asistir a clases, Picasso aprovechó el auge artístico de la capital y se dedicó a pasear por exhibiciones que se llevaban a cabo en la ciudad. En sus obras correspondientes al final del siglo XIX se observa cómo el pintor buscaba desarrollar un estilo propio.

Después de recoger inspiración en Madrid, Pablo Picasso viajó a París en el año 1900. La capital de Francia era el principal centro artístico del continente, en donde se reunían los máximos exponentes de la época. En este nuevo destino conoció a Max Jacob, poeta y periodista que vivió con el pintor y representó un importante apoyo para el joven. Sin embargo, los primeros años de Picasso en París estuvieron marcados por difíciles condiciones económicas.

Alrededor del año 1901, dio inicio el llamado periodo azul de la carrera artística de Pablo Picasso. Durante esta época se dedicó a pintar en sombras acentuadas de colores oscuros en distintas tonalidades de azul. Este estilo lo llevó a completar obras como El viejo guitarrista ciego, un cuadro sombrío y absorbente que refleja la tristeza del pintor durante los difíciles momentos que atravesaba. El periodo azul se extendió hasta el año 1904 y mantuvo como temas centrales la ceguera y la pobreza.

Recogiendo inspiración

En 1904, Pablo Picasso dio fin al llamado periodo azul y su obra dio un giro hacia un estilo mucho más alegre. Sus pinturas adquirieron un tono cálido que se alejaba de la melancolía de sus trabajos pasados y estaba marcado, principalmente, por sombras de color rosa. Este período incluyó su pintura mejor vendida hasta el momento, llamada Muchacho con la pipa. El cuadro le permitió a Picasso recuperarse económicamente, lo cual lo ayudó a incursionar en nuevos estilos.

Las exhibiciones en la ciudad de París eran fuente de inspiración constante para Pablo Picasso. Después de observar las obras de arte africano expuestas en el Palacio del Trocadero, el pintor decidió recoger elementos de este estilo para su próximo cuadro. El resultado fue Las señoritas de Avignon, una pintura publicada en 1907 y sumamente criticada por distintos artistas, quienes consideraban la incursión de Picasso en esta corriente como un desperdicio de potencial.

El cubismo de Pablo Picasso

A pesar de recibir distintas críticas, las nuevas tendencias artísticas de Pablo Picasso llamaron la atención de Georges Braque. Juntos, ambos artistas sentaron las bases de un nuevo movimiento artístico que sería conocido como cubismo, el cual se basaba en componer pinturas a través de figuras geométricas simples y complejas. Este periodo artístico de Picasso se extendió hasta el año 1920 e incluyó la introducción del collage, una nueva forma de arte ideada por el pintor.

En 1918, Pablo Picasso se casó con Olga Jojlova, una bailarina que había llegado de Rusia durante la Primera Guerra Mundial. El comienzo de la década de 1920 trajo el nacimiento de su primer hijo y un nuevo estilo artístico para el pintor. Este espacio de tiempo, conocido como periodo neoclásico, se extendió hasta 1929 y reflejó la restauración del orden a nivel artístico que experimentaba el mundo. Durante esta época, Picasso volvió a llamar la atención de los críticos más conservadores.

Surrealismo y nuevas obras

El periodo neoclásico de Pablo Picasso incluyó notables tintes de surrealismo a partir de la creciente popularidad de este estilo en Francia. A su vez, Picasso aplicó su propio estilo en desarrollo a la corriente surrealista y modificó completamente la percepción de esta práctica dentro del panorama artístico. De acuerdo a algunos críticos, pinturas como La danza —publicada por Picasso en 1925— marcaron la pauta del surrealismo durante los próximos años e influenciaron a una enorme cantidad de pintores.

Durante parte de la década de 1930, Pablo Picasso mantuvo una relación con la modelo francesa Marie-Therese Walter. La joven dio a luz a Maya, la primera hija del pintor, en 1935. Simultáneamente, Picasso culminó la Suite Vollard, un conjunto de 100 grabados en aguafuerte encargados por el marchante Ambroise Vollard. Poco después, comenzó una relación con otra de sus modelos, una joven llamada Dora Maar, quien fue inspiración para distintos cuadros que reflejaban el sufrimiento de la mujer a lo largo de la historia.

Pablo Picasso en Estados Unidos

Tras el comienzo de la Segunda Guerra Mundial, Pablo Picasso se mantuvo en París, incluso bajo el hostigamiento de la policía secreta de la Alemania nazi. Se dedicó a escribir poesía e incluso preparó algunas obras de teatro, aunque la coyuntura política representaba un fuerte obstáculo para el florecimiento del arte. Tras el final de la guerra, comenzó una relación con la estudiante de arte Françoise Gilot, con quien tuvo dos hijos más.

A partir del año 1946, Pablo Picasso incluyó la escultura a la extensa lista de disciplinas artísticas en las que destacaba. El español no tardó en demostrar su inmensa capacidad y se ganó la oportunidad de exponer sus obras en el Museo de Arte de Filadelfia. Encantando por el recibimiento que le ofreció Estados Unidos, Picasso realizó una escultura sin título para la ciudad de Chicago. El artista se negó a recibir dinero por su obra y decidió donarla a la ciudad de los vientos.

Imborrable legado

Durante la década de 1950, Pablo Picasso utilizó las riquezas acumuladas mediante su trabajo para comprar enormes propiedades en el sur de Francia. Simultáneamente, mantuvo nuevos romances con modelos jóvenes y representó la diferencia de edades en sus pinturas. Jacqueline Roque, una de estas modelos, se convirtió en su segunda esposa en el año 1961. Roque fue una de las musas más importantes en la vida artística de Picasso y el español la inmortalizó en más de 70 retratos durante sus 11 años de matrimonio.

Lejos de perder inspiración o mostrarse agotado, los últimos años de vida de Pablo Picasso estuvieron entre los más productivos de toda su carrera. Desplegó pinturas pasionales, plagadas de colores y escenarios eróticos o inverosímiles. Las figuras mostradas eran más fáciles de descifrar pero el mensaje críptico detrás de cada cuadro resultaba incomprensible para algunos. En principio, los críticos subestimaron el valor de estas pinturas y las catalogaron como las fantasías sexuales de un hombre impotente.

Pablo Picasso murió el 8 de abril de 1973 durante una cena que él y Jacqueline habían organizado en su casa de Mougins, Francia. Sólo después de su muerte —y una vez las tendencias empezaron a separarse del expresionismo abstracto que el mismo Picasso había desarrollado— los críticos comenzaron a valorar las últimas obras del pintor como una forma adelantada de neoexpresionismo, un estilo que dominaría gran parte de la escena artística del siglo XX.

Ahora vamos a analizar con más tranquilidad la vida, obras y demás anécdotas del gran Pablo Picasso:

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Biografía de Frida Kahlo resumen

Política y pintura

Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón nació el 6 de julio de 1907 en Coyoacán, un pequeño poblado a las afueras de Ciudad de México. Fue la tercera de cuatro hermanas, hijas del fotógrafo alemán Guillermo Kahlo y Matilde Calderón y González. A los seis años de edad enfermó de polio, padecimiento que la mantuvo en cama por casi un año. Para ayudar a su recuperación, su padre incitó a Frida a participar en actividades como el fútbol y la lucha libre.

Gracias a su excelente desempeño escolar, Frida Kahlo logró ser admitida en la prestigiosa Escuela Nacional Preparatoria de Ciudad de México. En esta institución destacó por sus capacidades artísticas y su actitud jovial y amigable. Durante estos años, Kahlo empezó a involucrarse en la política a través de distintas organizaciones estudiantiles. Se unió a la Liga Comunista Joven y, posteriormente, al Partido Comunista Mexicano. Simultáneamente, recibió clases de pintura impartidas por Fernando Fernández, un amigo de su padre.

El accidente de Frida Kahlo

Poco después de cumplir los 18 años, Frida Kahlo enfrentaría un suceso que le cambiaría la vida para siempre. Mientras viajaba en un autobús de Ciudad de México, el vehiculó impactó a un auto en una intersección. Como resultado del accidente, la joven fue atravesada por una barra de metal, lo que le produjo una fractura de columna vertebral. Estuvo hospitalizada por varias semanas, hasta que fue enviada a casa para recuperarse. Las secuelas de este evento la acompañarían hasta el día de su muerte.

Debido a que sus dolencias le impedían realizar las actividades físicas que la divertían desde pequeña, Frida Kahlo se refugió en la pintura. Recordó las lecciones de arte que había recibido durante su adolescencia y empezó a pintar diversos autorretratos. Su afición la llevó a involucrarse en algunos círculos de artistas. En una reunión entre pintores jóvenes y consagrados, tuvo la oportunidad de conversar con Diego Rivera, un aclamado pintor de la época, a quien Kahlo le mostró sus pinturas.

Relación con Diego Rivera

De acuerdo a Diego Rivera, las pinturas de Frida Kahlo mostraban que la joven tenía un increíble potencial. Los dos empezaron a juntarse para pintar y compartir largas jornadas de apreciación artística en 1928. Simultáneamente, dieron inicio a una relación amorosa que los llevó a casarse un año más tarde. Durante este tiempo, Kahlo acompañaba a Rivera a distintos eventos y exposiciones de arte a las que era invitado. La joven utilizó estas experiencias para mejorar como artista.

Frida Kahlo vivió junto a Diego Rivera en Estados Unidos durante los primeros años de la década de 1930. Después de que su esposo enfrentara dificultades en aquel país por causa de sus ideales comunistas —los cuales compartía con Frida—, la pareja regresó a México. Los próximos años trajeron diferencias irreconciliables para el matrimonio, principalmente producidas por las infidelidades de Rivera. Simultáneamente, Kahlo empezó a ganar dinero por su arte, aunque aún no igualaba el nivel de popularidad de su esposo.

El surgimiento artístico de Frida Kahlo

A pesar de ser sumamente inestable, la relación entre Frida Kahlo y Diego Rivera estaba lejos de terminarse. La pintora resultó embarazada de Rivera en 1934, pero los problemas de salud ocasionados por el accidente que había sufrido años atrás la llevaron a perder al bebé. Ante este nuevo golpe emocional, el arte volvió a ser el refugio de Kahlo, quien desarrolló la excelsa habilidad técnica que la haría famosa años más tarde.

En 1938, Frida Kahlo conoció a André Breton, un escritor francés que representaba uno de los principales exponentes del surrealismo. A través de su amistad con Breton, la pintora consiguió el lugar en donde sería su primera exposición de arte, realizada en Nueva York. Kahlo contó con una fructífera participación: vendió más de la mitad de las pinturas que llevó y recibió importantes comisiones. A partir de este momento, su trabajo empezó a ser comentado por los críticos de arte de la época.

La popularidad de Frida Kahlo como artista la llevó hasta París, en donde tuvo la oportunidad de conocer a Pablo Picasso. Mientras se encontraba en Europa, algunas de sus pinturas, como Las dos Fridas y La mesa herida, empezaron a ganar enorme reconocimiento. Finalmente, su nombre artístico comenzaba a separarse del de Diego Rivera, de quien Kahlo se divorció en 1939. Sin embargo, aunque las infidelidades por parte de ambos continuaron, los artistas se reconciliaron y se casaron nuevamente en 1940.

Salud en declive

En 1941, Frida Kahlo regresó a su país para trabajar en cinco cuadros encargados por el gobierno de México, los cuales debían estar inspirados en el empoderamiento femenino. Aunque se encontraba en el mejor momento de su carrera artística, su salud en deterioro le hacía cada vez más difícil continuar pintando. Para empeorar las cosas, la muerte de su padre la llevó a caer en una fuerte depresión, la cual enfrentó en su casa de Coyoacán.

En busca de un nuevo desafío, Frida Kahlo aceptó un trabajo como profesora en una academia de arte en 1943. Sin embargo, el intento fue frustrado por su salud en decadencia. Tuvo que abandonar el cargo debido a un inmenso dolor en las piernas y una infección en sus manos. Ambas dolencias eran consecuencia del accidente sufrido años atrás. A mediados de la década, viajó a San Francisco para someterse a una operación en la columna vertebral y tratamiento contra la sífilis.

Frida Kahlo y el arte oscuro

Las pinturas de Frida Kahlo durante los estados más avanzados de su enfermedad —especialmente después de 1945— denotan los sentimientos de la artista respecto a su decadente estado. Obras como Sin esperanza, Columna rota y El venado herido, muestran la realización de un destino miserable y la amenaza de la muerte acercándose a Frida. Aunque estas obras se encuentran entre las más aclamadas de Kahlo, su exceso de trabajo y elevado consumo de alcohol terminaron por empeorar su situación.

Durante los últimos años de su vida, Frida Kahlo decidió dedicarse nuevamente a causas políticas. Retomó sus labores en el Partido Comunista Mexicano en 1948 y se mantuvo tan participativa como su salud se lo permitió. Dos años más tarde, fue sometida a una nueva operación en Ciudad de México, en donde fue examinada por un grupo de doctores que buscaban desesperadamente salvarla. El procedimiento quirúrgico fue un fracaso y Kahlo contrajo una nueva infección.

La comunidad artística de México, al tanto de que la muerte de Frida Kahlo se acercaba, organizó una exhibición de todas sus obras en la capital. El evento se llevó a cabo en la Galería de Arte Contemporáneo en 1953 y fue todo un suceso a nivel cultural. La presentación fue noticia alrededor del mundo y una enorme cantidad de admiradores de la artista asistieron. Determinada a hacer acto de presencia, Kahlo fue llevada en camilla y permaneció acostada mientras compartía y conversaba con invitados.

Un último cuadro

Después de enterarse de una nueva infidelidad de Diego Rivera, Frida Kahlo trató de suicidarse mediante una sobredosis de pastillas a finales de 1953. Tras el fallido intento, su enfermedad detuvo su avance temporalmente, lo que le permitió trabajar en sus últimas obras. Durante este periodo, culminó Naturaleza muerta: viva la vida, conocido popularmente como su último cuadro y en donde se pueden observar los efectos de su enfermedad a través de sus trazos poco refinados.

Las conversaciones que sostuvo con sus conocidos durante sus últimos días demuestran que Frida Kahlo estaba preparada para morir. Falleció el 13 de julio de 1954 por causa de una alta fiebre producida por la gangrena. Sus admiradores lamentaron profundamente su muerte y muchas de sus obras experimentaron un enorme incremento de popularidad durante finales de la década de 1970. En la posteridad, su figura quedó grabada en la cultura popular como un símbolo de empoderamiento femenino.

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