Biografía de Bong Joon-ho resumen

Destinado al mundo artístico

Bong Joon-ho nació en la moderna ciudad de Daegu, Corea del Sur, el 14 de septiembre de 1969. La niñez de Joon-ho estuvo marcada por la vena artística de su familia. Su padre, quien fue un reconocido diseñador gráfico e industrial, legó en él un interés temprano por el arte y las imágenes. Asimismo, su abuelo materno fue el renombrado autor surcoreano, Park Taewon, de quien, indudablemente, heredó sus habilidades literarias.

Dada su cercanía con el mundo artístico, Bong Joon-ho creció rodeado de estímulos que no sólo definirían su futuro cinematográfico, sino que además moldearían su estilo como director y guionista. En el año 1988, posterior a que su familia se trasladara a la ciudad de Seúl, Joon-ho cursó la carrera de sociología en la Universidad Yonsei. En este tiempo, el surcoreano inició una ardua participación en protestas y revueltas sociales.

A la par de sus estudios universitarios, Bong Joon-ho estudió cine en la Korean Academy of Film Arts. Para esta época, hacia 1994, el director estrenó los cortometrajes White Man y Memory Within the Frame. Con este último llegó a participar en el Festival Internacional de Cine de Vancouver de dicho año.

Bong Joon-ho: un director experimental

El carácter innovador de Bong Joon-ho quedó evidenciado en la película de antología Seven Reasons Why Beer is Better Than a Lover, donde sirvió como guionista. No fue sino hasta 1999 que el surcoreano estrenó su primer largometraje, Barking Dogs Never Bite (Perro ladrador, poco mordedor ). A pesar de haber tenido un alcance bastante mínimo en la taquilla surcoreana, el filme fue todo un éxito en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián en España.

En el 2003 Bong Joon-ho estrenó su segunda película Memorias de un asesino (Crónica de un asesino en serie ), con el que nuevamente llegó al Festival de Internacional de Cine de San Sebastián y se llevó la Concha de Plata a mejor director. En esta película, Joon-ho desarrolla, de forma majestuosa, la historia del primer asesino en serie de Corea del Sur.

Hacia el reconocimiento internacional

No fue sino hasta la llegada de la película The Host (2006) que Bong Joon-ho rompió la barrera del idioma y se expandió por el mercado internacional como dinamita. Este largometraje, que experimenta con el género de terror, fue llevado al Festival de Cine de Cannes, en donde fue alabado por su magnífica calidad cinematográfica; el lenguaje fílmico de Bong Joo-ho era algo que el público anglosajón y europeo no había visto antes.

La conquista internacional de Bong Joon-ho continuó en los años siguientes. Participó en la película ómnibus Tokyo! y estrenó su primera película para el mercado norteamericano El Expreso del Miedo (Rompenieves ), protagonizada por el actor Chris Evans. Asimismo, en el año 2017 se unió a Netflix para producir el filme de ciencia ficción Okja, en el que colaboró con actores de la talla de Tilda Swinton y Jake Gyllenhaal.

Sin embargo, no fue sino hasta la llegada de Parásitos (2019) que Bong Joon-ho atisbó un reconocimiento mundial desbordado. El largometraje, que muestra un análisis profundo sobre las clases sociales surcoreanas, se llevó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes. Asimismo, en enero de 2020, el filme se llevó el Globo de Oro a la mejor película extranjera y Bong Joon-ho se convirtió en el primer director surcoreano en ser nominado como mejor director a los Premios Oscar de dicho año.

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Biografía de Santiago Segura resumen

Motivado por un grande

Santiago Segura Silva nació en Madrid, España. Fue criado por su padre, quien trabajaba en una fábrica de tornillos, y su madre, una ama de casa, en el barrio de Carabanchel. Asistió a la escuela primaria y secundaria en la capital, hasta que se ganó una beca para estudiar el último año de instituto en Estados Unidos, lo que le permitió mejorar su inglés. Después de volver a España, estudió Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid.

Durante su último año de carrera, Santiago Segura consiguió trabajo como escritor de relatos eróticos y como ayudante en un grupo teatral. Fue en el teatro donde conoció a Fernando Trueba. Después de haber visto uno de sus cortometrajes, el actor lo incentivó a producir algunos más.

Santiago Segura y Torrente

Siguiendo el consejo de Fernando Trueba, grabó tres cortometrajes en 1992: Evilio, Perturbado y El Purificador (Evilio vuelve). Los tres cortos fueron muy bien recibidos en las salas de cine y llegaron a transmitirse en televisión, con Perturbado ganando el premio Goya al mejor cortometraje en 1993.

A pesar de que había actuado en sus propios cortometrajes anteriormente, Santiago Segura debutó oficialmente en un papel protagonista en El día de la bestia, película estrenada en 1995. Su actuación le valió un premio Goya al mejor actor revelación y un significativo aumento en su popularidad.

Después de haber comenzado a trabajar como actor de doblaje en la cinta Trainspotting: la vida en el abismo, Santiago Segura decide hacer su propia película. Terminó escribiendo, dirigiendo y protagonizando Torrente: el brazo tonto de la ley. En el filme, Segura interpretó a José Luis Torrente, un policía poco correcto que se enfrenta al narcotráfico, generando todo tipo de situaciones hilarantes.

Torrente, el brazo tonto de la ley se convirtió en un gran éxito y la película más taquillera en la historia de España hasta el momento, ganando dos premios Goya y quedando en la historia como un clásico de la comedia en el país. En 2001, Santiago Segura regresó como intérprete, escritor y director de la secuela Torrente 2: Misión en Marbella, cinta que también colmó las salas de cine.

Lo más importante es tener un guion solvente. Hay muchos casos de guiones buenos que un mal director ha convertido en películas terribles, pero jamás he escuchado de un guion malo que un director haya convertido en una buena película. Por eso me esfuerzo mucho al escribir guiones. Santiago Segura

Haciendo reír más allá de Europa

A comienzos de los 2000, Santiago Segura participó en producciones hollywoodenses como Blade II y Hellboy, dirigidas por su amigo Guillermo del Toro. Más tarde, en 2005, volvió a España para la siguiente entrega de su saga dorada con Torrente 3: El protector, la cual fue un nuevo éxito comercial.

Santiago Segura protagonizó El gran Vázquez, una exitosa película de 2010 que narra la historia del historietista Manuel Vázquez. El papel significó mucho para el actor, debido a que era admirador de Vázquez desde pequeño. Un año después volvió a dirigir en Torrente 4: Lethal Crisis, cinta que acumuló gran cantidad de espectadores.

En 2011 fue contratado por el conocido programa de entretenimiento El hormiguero, contando con su propia sección dentro del show. Un año más tarde fue elegido para conducir la gala de los Premios Goya, por su divertida actitud y sentido del humor. Posteriormente volvió a escribir, actuar y dirigir en Torrente 5: Operación Eurovegas, un nuevo éxito de la saga.

Cambiando el rumbo

A partir de 2018, Santiago Segura decidió tomarse un descanso de las películas de Torrente para hacer comedias más sinceras, con las que los espectadores se pudieran sentir identificados. Ese mismo año escribió y dirigió Sin rodeos, un largometraje protagonizado por Maribel Verdú en donde Segura interpretó un rol secundario.

Habiendo encontrado una nueva forma de hacer comedia, dirigió Padre no hay más que uno, en 2019. Con esta película, Santiago Segura volvió a un papel protagonista, interpretando al padre de cinco hijos que queda solo con sus pequeños cuando su mujer se va de viaje. Al ser una comedia que hizo reír a niños y adultos, se convirtió en uno de los éxitos del verano en España.

Fue uno de los grandes momentos televisivos del año. ¡Santiago Segura imita a PSY y su canción Gangnam Style!:

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Biografía de Pedro Almodóvar resumen

Irreverencia absoluta

Nacido en Ciudad Real (España), Pedro Almodóvar fue el cuarto hijo de Antonio Almodóvar y Francisca Caballero. Estudió en Cáceres, al oeste del país, en una escuela religiosa, ya que sus padres deseaban que se convirtiera en sacerdote. Fue en esta ciudad en donde asistió al cine por primera vez, comenzando a crecer en él el sueño de volverse un cineasta. Se mudó a Madrid en 1967, en donde aprendió las bases de la dirección cinematográfica por su cuenta.

Finalmente, Pedro Almodóvar debutó con el largometraje Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, el cual realizó con un presupuesto muy reducido. Presentada en el Festival de San Sebastián, la película fue aplaudida por muchos espectadores, quienes adoraban la irreverencia de la trama respecto a temas como la sexualidad y los límites morales, a pesar de que la técnica de rodaje era poco profesional.

Cuando una película tiene algunos errores, se considera una obra imperfecta. Sin embargo, cuando hay un montón de fallos técnicos que son evidentes, se le llama «estilo». Eso era justamente lo que decía, en tono de broma, en aquel momento. Ahora creo que esa frase se acerca mucho a la realidad.Pedro Almodóvar

La oveja negra del cine

En 1983, Pedro Almodóvar dirigió Entre tinieblas, un largometraje que mostraba los pecados de las monjas dentro de un convento. Los críticos más religiosos se sintieron profundamente ofendidos por el trasfondo argumental de la obra, lo que cimentó el estatus de Pedro Almodóvar como la «oveja negra» del cine español, una etiqueta que le trajo muchos más beneficios que desventajas.

El éxito de sus últimas producciones le permitió a Pedro Almodóvar fundar su propio estudio junto a su hermano, Agustín Almodóvar. La compañía llevaba por nombre El Deseo, siendo su primera película La ley del deseo, una obra que tocaba a fondo el tema de la identidad y la orientación sexual.

Sería en 1988 cuando llegaría uno de los mayores éxitos de Pedro Almodóvar: Mujeres al borde de un ataque de nervios, un largometraje que le valió aplausos y reconocimiento en distintos países. El filme ganó cinco premios Goya y fue nominada al Óscar como mejor película internacional. Dos años más tarde, extendería aún más su creciente fama con ¡Átame!, otra película bien valorada por la crítica.

Pedro Almodóvar dirigiría La flor de mi secreto, en 1995. El filme, como la mayoría de los dirigidos por el director, tenía una protagonista femenina, la cual atravesaba una crisis profesional y personal. A esta producción le siguió Carne trémula, la cual contaba con Penélope Cruz en su elenco.

Pedro Almodóvar: un director oscarizado

En el Festival de Cannes de 1999, el director presentó Todo sobre mi madre, película por la que recibió el premio al mejor director en el evento sin ninguna objeción. Según la crítica, Almodóvar había creado una película del más alto nivel, con personajes de peso y una trama verdaderamente envolvente. El largometraje ganó seis premios Goya, además del Óscar y el Globo de Oro a mejor película extranjera.

Volvería con una nueva película exitosa en Hable con ella, la cual narra la amistad creciente entre dos hombres que cuidan a una mujer en coma. Gracias a esta producción, Pedro Almodóvar ganó su segundo Oscar, esta vez a mejor guion original.

Continuando con su estilo meramente feminista, el cual enaltece a las heroínas, Pedro Almodóvar dirigió Volver, protagonizada también por Penélope Cruz. La película recibió reseñas increíbles, colocándola entre las mejores obras del cineasta, quien repetiría colaboración con Cruz más tarde en Los abrazos rotos.

Regresó a la comedia con la película Los amantes pasajeros, en 2013. La trama del filme se desarrolla casi enteramente en un avión y cuenta con una combinación de estrellas consagradas y nuevos talentos en su elenco.

Pedro Almodóvar escogió a Antonio Banderas —quien ya ha actuado en varias de sus películas— para protagonizar Dolor y Gloria, la cual se estrenó en 2019. La película recibió críticas sumamente favorables a lo largo de toda Europa.

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Biografía de Charles Chaplin resumen

En medio de adversidades

Charles Spencer Chaplin nació en Londres, Inglaterra, el 16 de abril de 1889. Su padre era Charles Chaplin Sr., quien lo abandonó poco después de su nacimiento. Su madre, Hannah Chaplin, trabajaba como actriz y cantante. A pesar de que la profesión de Hannah le permitía mantener a Charles y a su hermano, su carrera se acabó cuando inexplicablemente perdió la voz que la caracterizaba.

Para mantener a su madre económicamente, Charles Chaplin tuvo todo tipo de labores pobremente remuneradas. Tras haber visto a Hannah en el escenario, el sueño de ser actor había nacido dentro del pequeño, quien acomodaba sus ropas lo mejor que podía y asistía a audiciones en agencias de teatro. Posteriormente, su madre fue internada en un sanatorio mental, ya que había desarrollado una psicosis producto de la malnutrición.

En 1908, Charles Chaplin consiguió trabajo con la compañía teatral Karno, convirtiéndose en una de las estrellas de una obra llamada Mumming Birds. Así fue como, mientras trabajaba en Karno, el cineasta Mack Sennett se fijó en sus habilidades y le ofreció un contrato en la industria del cine.

El nacimiento de Charlot

Hizo su debut en una película del cine mudo llamada Haciendo por la vida, también conocida años más tarde como Charlot, reportero. En vista de que el cortometraje no causó demasiado impacto en el público, Charles Chaplin decidió crear un personaje artístico que lo diferenciara de los demás actores, así nació Charlot.

Simplemente tomé varias cosas del armario al crearlo. Quería que todo fuese una contradicción: los pantalones holgados, el abrigo apretado, el sombrero pequeño y los zapatos grandes. En principio, no tenía idea de qué tipo de personaje sería, pero una vez que estaba vestido, entendí quién era. Para cuando me tocó interpretarlo frente a las cámaras, ya Charlot había nacido completamente. Charles Chaplin.

El personaje de Chaplin apareció por primera vez en Carreras de autos para niños, como un espectador que insiste en interrumpir el rodaje de una competencia. Debido al éxito que tuvo el cortometraje, Chaplin interpretó un total de 35 películas durante los próximos dos años, incluída Aventuras de Tillie: El romance de Charlot, su primer largometraje.

En 1915, Charles Chaplin protagonizó Charlot vagabundo, considerada por muchos su primer clásico. El éxito de esta producción fue enorme, con miles de espectadores riendo a carcajadas. Después de este mediometraje, el actor se había convertido en una estrella, y se ganó un contrato multimillonario que lo autorizaba a escribir, dirigir y actuar en todas sus películas.

Charles Chaplin y su inagotable creatividad

Durante los años 20, hizo películas que continuaron haciendo reír al mundo entero como El chico, El peregrino, La quimera de oro y El circo. Absolutamente todas fueron éxitos entre los espectadores y los críticos por igual, convirtiéndose en clásicos del cine.

Charles Chaplin protagonizó Luces de la ciudad, otra aclamada película del año 1931. Como si no fuera suficiente con la participación que ya tenía en sus largometrajes, Chaplin compuso la música de la obra, además de ser el productor de la cinta.

En 1932, llevó a cabo un viaje por Europa, grabando Tiempos modernos, una película que aborda el tema de la situación económica y política que atravesaba el mundo. El filme, estrenado en 1936, se manejaba con un toque de sátira, a la vez que dejaba una excelente reflexión.

Expulsado de los Estados Unidos

Charles Chaplin interpretaría por última vez a Charlot en la película de 1940 El gran dictador. En ella, dejaba claro su posición política al interpretar a un dictador fascista que era idéntico a Adolf Hitler. Al final de la cinta, Chaplin se salía del personaje, y le hablaba directamente a la cámara por cinco minutos, explicando su posición en contra las dictaduras que azotaban a Europa.

A pesar de que El gran dictador fue muy bien recibida por la crítica a nivel artístico, muchos consideraban que Charles Chaplin no debió haberse involucrado de tal manera en la política. Sin embargo, debido a que el actor era completamente independiente a nivel económico para este punto, él mismo había escrito, dirigido y producido la obra, además de componer la música.

Tenía que seguir adelante, no importa lo que me dijeran, estaba determinado hacerlo. ¿Por qué? Porque Hitler merecía que se rieran de él. Charles Chaplin.

Durante los años 40, Charles Chaplin se declaró en contra de los movimientos anticomunistas que ocurrían en los Estados Unidos. Esta postura, combinada con los escándalos que se habían producido por sus romances con distintas actrices, lo llevaron a ser expulsado del país. Después de este suceso, se residenció con su esposa y sus hijos en una granja en Suiza.

Una vez en Europa, se alejó del cine parcialmente, mientras su salud se deterioraba. Un rey en Nueva York y Una condesa de Hong Kong (La condesa de Hong Kong ) fueron algunas de sus últimas películas.

Volvió a los Estados Unidos en 1972, recibiendo un Óscar honorífico por su sensacional carrera. Tres años más tarde, en 1975, murió de un ataque al corazón en su casa en Suiza, junto a Oona O’Neill y siete de sus once hijos.

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Biografía de Denzel Washington resumen

Corrigiendo el rumbo

Denzel Hayes Washington Jr. nació en Mount Vernon, Nueva York. Fue criado en su ciudad natal por sus padres, Lennis y Denzel Hayes Washington, hasta que la pareja se divorció en 1968. Tras la ruptura, su madre lo envió a estudiar en la Academia Militar Oakland, la cual se encontraba en un pueblo cercano. De acuerdo al actor, este evento cambió su manera de ver la vida.

La decisión que tomó mi madre cambió mi vida… porque no hubiera sobrevivido en la dirección que iba. A día de hoy, los amigos con los que jugaba en el momento suman al menos 40 años en la penitenciaría. Denzel Washington.

Mientras estudiaba en la Universidad de Fordham, se inscribió en el Centro Lincoln para Artes Escénicas como estudiante de actuación. Tras graduarse en Letras, volvió a Nueva York a perseguir su sueño de ser actor.

Maestro del drama

Denzel Washington participó en algunas obras de teatro, como Wings of the Morning, antes de hacer su debut en la película para televisión Wilma, en 1977. Después de que su trabajo llamara la atención de Michael Schultz, tendría su primera aparición en Hollywood, protagonizando la comedia Llámame Mr. Charly, junto a George Segal.

Volvería a la televisión para interpretar un papel fundamental en su crecimiento como actor en la serie dramática Hospital St. Eligius, permaneciendo en el elenco hasta su finalización en 1988. Durante este tiempo, participó de películas como La historia de un soldado (Historia de un soldado ), El precio del poder (Poder ) y Grito de libertad (Grita libertad ). Por ésta última, se llevaría una nominación al Óscar como mejor actor de reparto.

Premiado por innovar

El Óscar no se le haría esquivo a Denzel Washington por demasiado tiempo; en 1989 se llevaría la estatuilla como mejor actor de reparto por interpretar el papel de un soldado afroamericano en Gloria (Tiempos de gloria ). Su actuación fue muy bien recibida por la crítica, lo cual aumentaría su exposición como actor.

En lugar de encasillarse en los papeles que lo habían caracterizado hasta el momento, Denzel Washington decidió probar suerte en películas de suspenso y comedias, compartiendo elenco con figuras consagradas y ascendentes por igual durante la década de los 90. Protagonizó El informe Pelícano, junto a Julia Roberts, Marea roja, junto a Gene Hackman, y La mujer del predicador, junto a Whitney Houston.

Poco después, Denzel Washington ganó un Globo de Oro por su actuación en Huracán (Huracán Carter ) y un Óscar al mejor actor por su papel protagónico en el drama policiaco Día de entrenamiento. Ambas actuaciones fueron aplaudidas internacionalmente y cimentaron su estatus como una de las estrellas de Hollywood más importantes del momento.

Denzel Washington y su insaciable empuje

Con el deseo de buscar nuevos desafíos, se sentó en la silla de director para la película Antwone Fisher, la cual también protagonizó. Un año más tarde protagonizó Hombre en llamas (El fuego de la venganza ), junto a una muy joven Dakota Fanning. Volvió a dirigir en 2007, con la película Grandes debates (El gran debate ). Los dos largometrajes que dirigió durante esos años tuvieron éxito en taquilla.

A partir de 2009, Washington tomó una serie de papeles con los que ya estaba familiarizado. Regresó a ser un policía en Rescate del metro 1 2 3 (Asalto al tren Pelham 123 , Escape del metro 123 ), fue un piloto de la fuerza aérea en El vuelo e hizo el papel de un marine en El justiciero (El protector ).

Poniéndose un nuevo reto a nivel actoral, aceptó el papel de Sam Chisolm en Los siete magníficos, una nueva versión del wéstern de 1960 con el mismo nombre. Por tratarse de un género del cine en el que Denzel jamás había actuado, se creía que no aceptaría el papel. Sin embargo, sorprendió a todos con una actuación aplaudida por la crítica internacional. Un año más tarde protagonizó el drama Roman J. Israel, Esq., el cual le valió su novena nominación al Óscar.

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Biografía de John Wayne resumen

Obligado a tomar otro camino

Nacido como Marion Robert Morrison, el 26 de mayo de 1907 en Winterset, Iowa, fue el primer hijo de Mary Alberta y Clyde Leonard Morrison, quienes poco después decidieron cambiar el nombre del pequeño a Marion Mitchell Robinson, para llamar Robert a su segundo hijo. Durante su adolescencia, asistió a la secundaria Glendale, en donde destacó por sus excelentes calificaciones y su desempeño deportivo. Igualmente, participó en distintas producciones teatrales a nivel escolar.

Mientras estudiaba en la Universidad de Southern California, incursionó en el mundo del cine apareciendo como extra en La estudiante y La gran jugada, dos películas de la época. A dos años de haber ingresado en la institución, John Wayne sufrió una lesión que le impediría seguir jugando al fútbol americano, por lo que perdió la beca que lo mantenía en la universidad. Sin más opciones, John Wayne se dedicó a seguir su otra pasión: la actuación.

Su llegada al cine

Después de haber trabajado como extra en varios largometrajes, el director Raoul Walsh le ofrece un papel principal en la película del género wéstern La gran jornada. Por desgracia, el largometraje no tuvo éxito a nivel comercial. Este fracaso llevó a John Wayne a conseguir sólo papeles en proyectos de bajo presupuesto durante los próximos años. Sin embargo, Wayne se dedicó a estudiar y a mejorar su carácter como actor.

John Wayne tendría una nueva oportunidad de brillar con un papel secundario en La diligencia, en el año 1939. La película fue un éxito colosal y se llevó siete nominaciones a los premios Óscar. Recibiría nuevamente aplausos por su actuación en Hombres del mar (Hombres intrépidos ).

John Wayne fue nominado a un Óscar al mejor actor por su actuación en Arenas de Iwo Jima (Arenas sangrientas ). Volvió al género wéstern con dos películas que se convirtieron en clásicos: La legión invencible y Río grande. Tras estos últimos proyectos, dejó de un lado el papel de héroe de acción para protagonizar El hombre quieto (El hombre tranquilo ), película en la cual muchos consideran que tuvo su papel romántico más destacado.

John Wayne y el orgullo americano

John Wayne hizo su debut como director de cine en El Álamo en 1960, largometraje que también protagonizó. La película es considerada una de las más importantes de la década y se llevó diversas nominaciones al Óscar, a pesar de que los críticos tenían opiniones polarizadas. Tuvo una nueva actuación mundialmente ovacionada en Un tiro en la noche (El hombre que mató a Liberty Valance ).

Cuatro años más tarde, John Wayne se sometió a una operación quirúrgica en la que le removieron un pulmón y varias costillas, mientras batallaba contra el cáncer de pulmón.  A pesar de la enfermedad, el actor decidió continuar trabajando.

En 1964 volvería a la silla de director en Boinas verdes, película que también produjo y protagonizó. Al ser el único filme de la época que apoyaba la guerra de Vietnam, el largometraje sirvió como reflejo del profundo patriotismo de John Wayne .

En 1969, John Wayne protagonizó Temple de acero (Valor de ley  ). Lidiando con un director malhumorado (Henry Hathaway) y una actriz sin experiencia (Kim Darby), tomó las riendas de la película y la convirtió en un éxito. Su esfuerzo sería recompensado ese mismo año, cuando ganó el Óscar a mejor actor por el papel interpretado.

En sus películas, John Wayne es un fiel reflejo de quien realmente es: simple y directo. Esas son cualidades que hacen muy fácil trabajar con él. Henry Hathaway.

El último pistolero —película que protagonizó junto a Lauren Bacall— sería su último largometraje, ya que fue diagnosticado con cáncer de estómago en 1978. John Wayne murió el 11 de junio de 1979 en Los Ángeles, California. Su legado incluye un lugar en el Salón de la Fama de California, un aeropuerto con su nombre y una fundación dedicada a la lucha contra el cáncer.

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Biografía de Burt Lancaster resumen

Con amor al escenario

Burton Stephen Lancaster nació el 2 de noviembre de 1913 en Manhattan, Nueva York, en una familia de clase trabajadora sustentada por sus padres, Elizabeth y James Henry Lancaster. Asistió a la secundaria DeWitt Clinton. Justo antes de graduarse, su madre murió de un derrame cerebral. Desde pequeño, Burt mostraba interés por los grandes espectáculos y presentaciones de todo tipo.

Audicionó para A Sound of Hunting, en Broadway, llevándose un papel principal. A pesar de que la obra no se mantuvo en los escenarios por mucho tiempo, fue suficiente para que Burt Lancaster llamara la atención de agentes y productores. En 1946 hizo su debut en el cine con Asesinos (Forajidos ), obra que se convirtió en un éxito instantáneo, enviándolo al estrellato.

Su buena racha continuó en películas como La hija del pecado y Todos eran mis hijos. Sin embargo, Burt soñaba con producir sus propias películas.

Burt Lancaster como productor

En 1947, formó una compañía cinematográfica junto al agente Harold Hecht, la cual llevaría el nombre de Hecht-Lancaster Productions. La primera película de este nuevo estudio fue Sangre en las manos, producción que fue bien recibida por la crítica. Uno de los mayores éxitos de este proyecto sería El halcón y la flecha, una aventura épica que deleitó al público. Además de producir, Burt Lancaster tenía un papel principal en la mayoría de las películas de la compañía.

Continuó en el género de aventuras con una nueva película para Hecht-Lancaster: El pirata Hidalgo (El temible burlón ), la cual fue un éxito comercial. Más tarde interpretaría uno de sus papeles más recordados en De aquí a la eternidad, un drama romántico junto a Deborah Kerr, de enorme popularidad. La película se llevó 13 nominaciones a los premios Óscar, ganando 8 estatuillas y convirtiéndose en un clásico.

Hecht-Lancaster se convirtió en una de las compañías independientes más exitosas de Hollywood en 1955, con el lanzamiento de Marty. El filme ganó el Óscar a mejor película, a pesar de que Burt Lancaster no actuó en él.

Respetado hasta el fin

Burt Lancaster finalmente ganaría el Óscar como mejor actor en 1960, tras su papel protagónico en Ni bendito ni maldito (El fuego y la palabra ). El largometraje fue una de las películas más populares de la época.

Durante la década de los 60, el actor trabajó en conjunto con cineastas jóvenes de distintos países, lo que resultó en películas como Ángeles sin paraíso, El gatopardo y Los profesionales, las cuales fueron muy bien recibidas alrededor del mundo.

Otra película memorable de Lancaster llegaría en 1970 con Aeropuerto. El largometraje sería la película más exitosa de Universal Pictures hasta el momento. Incursionó en la pequeña pantalla con el papel estelar en la miniserie Moses the Lawgiver, para la televisión británica, y protagonizando la película Victoria en Entebbe.

A todos nos olvidan tarde o temprano, pero las películas pueden ser recordadas por siempre. Ese es todo el homenaje que deberíamos necesitar. Burt Lancaster.

Tuvo una participación aclamada por la crítica en Atlantic City, largometraje nominado a cinco premios Óscar. En los años 80 se dedicó principalmente a la actuación, participando de grandes películas como La leyenda de Bill Doolin, Marco Polo y Pequeño tesoro. Durante esta época se alejó de los papeles principales, pero era invitado a distintas producciones para hacerles mayor publicidad, debido a la fama que traía su nombre.

Volvió a la televisión con películas moderadamente exitosas como El fantasma de la ópera y Viaje al terror: La historia del Achille Lauro. Tuvo su última gran actuación en el cine en El campo de los sueños (Campo de sueños ), con un papel secundario.

Después de sufrir un infarto en 1990, Burt Lancaster se retiró de la actuación. Murió en su apartamento en California, el 20 de octubre de 1994. Una estrella con su nombre alumbra el paseo de la fama de Hollywood.

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Biografía de Ridley Scott resumen

Comienzos como diseñador

Ridley Scott nació en South Shields, Inglaterra. Fue el segundo hijo de la unión entre Elizabeth y Francis Percy Scott. Durante su infancia, su familia se vio obligada a mudarse en repetidas ocasiones, debido a que su padre pertenecía al ejército británico. Ver a su madre cuidar de él y sus hermanos le sirvió de inspiración para crear heroínas fuertes y determinadas en varias de sus películas.

Mi madre fue mi primer modelo a seguir. Era la jefa de la casa, ya que mi papá estaba en la guerra. Ella era dura, y por eso la respetábamos. Ridley Scott.

Se graduó en la secundaria Grangefield y de ahí pasó a estudiar en una escuela de arte en Linthorpe, en donde recibió el título de diseñador. En 1963, consiguió un empleo como escenógrafo en la cadena BBC, trabajando en la conocida serie británica Z-Cars.

Ridley Scott y la ciencia ficción

Junto con su hermano Tony Scott, Ridley fundó la compañía Ridley Scott Associates, con la que dirigirían distintos comerciales durante los años 70.

El primer trabajo de Ridley Scott como director de cine sería en la película Los duelistas, en 1977, la cual fue grabada en Europa y sería un éxito en varios países del continente. Dos años más tarde, tras verse inspirado por La guerra de las galaxias, acepta la oferta de 20th Century Fox de dirigir Alien: el octavo pasajero.

Tras el éxito colosal de Alien: el octavo pasajero entre los espectadores, Ridley Scott continuó por el camino de la ciencia ficción, dirigiendo otro de sus largometrajes más icónicos: Blade Runner (El cazador implacable ). La película, protagonizada por Harrison Ford, sería catalogada una de las más influyentes en el género, gracias a la adaptación tan atrevida de lo que sería un escenario futurista.

Gracias a su notable éxito como cineasta, Ridley Scott dirigió el comercial de lanzamiento de la Macintosh de Apple, en 1984. El segmento publicitario se estrenaría en el Supertazón de ese año y es considerado por muchos uno de los mejores comerciales de todos los tiempos. Como en muchas de sus obras, la protagonista del corto era una heroína.

Incursionando en el género de la fantasía, Ridley Scott dirigió Leyenda, protagonizada por Tom Cruise. La obra sería aclamada por la crítica en los años posteriores a su salida y muchos la verían como una película adelantada a su época.

Incursionando en otros géneros

Hasta el momento, si bien las películas de Ridley Scott habían sido aplaudidas por la crítica, el director no había dirigido un éxito comercial desde Alien: el octavo pasajero. En 1991, apuntando por algo que pudiera complacer al público, dirige Thelma y Louise, una película de carretera que le valdría su primera nominación al Óscar como mejor director y generaría grandes ganancias en taquilla.

Dando una nueva muestra de su versatilidad, dirigió Gladiador (Gladiator (El gladiador) ), en el año 2000. El largometraje se convertiría en un éxito a nivel comercial y ganaría cinco premios Óscar, valiéndole otra nominación como mejor director. Durante los años siguientes, dirigió Hannibal y La caída del halcón negro (Black Hawk derribado ), las cuales se añadirían a su lista de éxitos.

Ridley pasaría a dirigir Prometeo (Prometheus ), una película relacionada a la franquicia creada alrededor de Alien: el octavo pasajero. El filme fue lanzado en 2012 y recaudó grandes ganancias, demostrando que Ridley Scott seguía siendo un genio de la ciencia ficción.

En 2015, Scott dirige otro filme de grandes proporciones: Misión rescate (Marte (The Martian) ), protagonizada por Matt Damon y nominada a un Óscar como mejor película. Dos años más tarde dirigiría Alien: Covenant, la secuela de Prometeo. Ese mismo año dirigió Todo el dinero en el mundo, volviendo al cine dramático, aunque añadiendo toques del género policiaco.

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Biografía de Orson Welles resumen

Inicios difíciles

George Orson Welles nació el 16 de mayo de 1915 en Kenosha, Wisconsin. Su padre fue un conocido inventor llamado Richard Head Welles, mientras que su madre, Beatrice Ives Welles, trabajaba como pianista. La pareja se separó en 1919, y Orson se mudó a Chicago con su madre, sólo para empezar a vivir con su padre cinco años más tarde, tras la muerte de Beatrice.

Orson Welles estudió en una escuela independiente en Illinois. Fue en esta institución en donde descubrió su amor por el teatro y la radio, antes de graduarse en 1931.

Orson Welles se presentaría en Broadway, con apenas 19 años de edad, en una adaptación de Romeo y Julieta. Su actuación llamó la atención del director John Houseman, quien le ofreció trabajo en el Federal Theatre Project, donde Welles dirigiría sus primeras obras.

Su llegada a la radio

La sociedad entre Orson Welles y John Houseman los llevaría a fundar la compañía teatral Mercury. Este proyecto pasaría a tener su propio programa de radio semanal, llamado The Mercury Theatre on the Air. Aunque en principio los ratings eran bajos, todo cambiaría el 30 de octubre de 1938.

«La guerra de los mundos» fue el episodio emitido por el programa aquel día. En lo que simplemente se trataba de una adaptación radial de la novela de H.G. Wells, Orson describía con exhaustivo detalle los sucesos de una invasión alienígena en Nueva Jersey. La pasión con la que Orson Welles narró los eventos del episodio hizo a cientos de personas en los Estados Unidos creer que la invasión estaba, de hecho, ocurriendo.

Cuando los radioescuchas se enteraron de que se trataba de un programa radial, estaban enfurecidos. Sin embargo, la popularidad del Welles se disparó hasta las nubes.

Orson Welles en Hollywood

A partir de la popularidad adquirida tras los eventos de octubre de 1938, la empresa RKO le ofrece un contrato a Orson Welles. Aquel acuerdo le daba total libertad y control creativo para dirigir dos películas.

Finalmente, en 1941, Orson Welles debutaría en el cine con Ciudadano Kane (El ciudadano Kane , El ciudadano ). Además de producirla, dirigirla, y escribir el guion, Welles haría el papel de Charles Foster Kane, el protagonista de la historia. La película estaba basada en la vida del magnate mediático William Hearst, quien la consideraba una difamación y prohibió hacer cualquier tipo de publicidad al filme en su enorme red de periódicos y revistas, logrando que no fuera proyectada en muchas salas de cine.

El ataque de Hearst afectó severamente las ganancias de la película, aunque esto no evitó que fuese aclamada por la crítica. Fue nominada a nueve premios Óscar. En 1956, tras ser retransmitida en televisión, el largometraje consiguió la fama que merecía entre los espectadores.

Sin importar si la gente me pregunta cuál es mi película favorita o cuál es la mejor película de la historia, la  respuesta es siempre la misma: Ciudadano Kane. Roger Ebert.

Sus últimos años

Tras el éxito de Ciudadano Kane, dirigió las aclamadas películas Otelo y Mister Arkadin, grabadas en Europa. En 1958 regresó a Hollywood para dirigir Sombras del mal (Sed de mal ). Posteriormente, Welles viajaría nuevamente por Europa, actuando en películas como David y Goliat y Ferry to Hong Kong.

Durante la mayor parte de la década de los 70, Welles sufrió de graves problemas de salud debido a su obesidad. Su carrera se vio severamente comprometida por estas dificultades, lo cual sólo le permitía cortas apariciones en televisión o programas de radio. Durante este tiempo, trabajaba en una adaptación propia de Don Quijote de la Mancha, la cual nunca completó.

El 10 de octubre de 1985, Orson Welles murió en su casa de Los Ángeles. Tres décadas más tarde, ya en 2018, se publicó Al otro lado del viento, película dirigida por Orson Welles durante los años 70 que tuvo que ser reconstruida entre las partes que el cineasta dejó.

Para aclarar cualquier duda sobre la vida de Orson Welles, hemos traído para ti un material audiovisual que explica todo con sumo detalle:

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